Diretores

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Paolo Taviani nasceu em San Miniato, Itália, em 1931. Seu irmão mais velho, Vittorio, nasceu dois anos antes. Juntos fizeram uma série de documentários entre 1954 e 1959 e colaboraram na realização de L’Italia non È un Paese Povero (1960), de Joris Ivens. Dirigiram o primeiro longa em parceria com Valentino Orsini, Un Uomo da Bruciare (1962). A parceria dos irmãos viria a se repetir em mais 17 filmes posteriores. A dupla foi tema de Os Nossos 30 Anos - Gerações em Confronto (30ª Mostra), de Giovanna Taviani, filha de Vittorio. Entre seus filmes mais famosos estão Pai Patrão (30ª Mostra), que ganhou Palma de Ouro em Cannes, e Bom Dia, Babilônia (11ª Mostra). Participaram da 30ª Mostra com alguns de seus filmes políticos, como O Prado, Os Subversivos e Sob o Signo do Escorpião.

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Estudou em Bruxelas no St. Lucas Institute, onde formou-se em 1990. Produziu inúmeros curtas, documentários e programas de TV. Seu primeiro filme, Rosie, foi lançado em 1998. Em 2005 dirigiu o filme para televisão Gezocht: Man, exibido no Festival de Roterdã. Finalizou, com o apoio do cineasta Wim Wenders, o longa Nowhere Man, já premiando com o Sundance/NHK International Filmmakers. CARTA BRANCA A WIM WENDERS - PRÊMIO HUMANIDADE 2008 Wim Wenders tem carta branca da Mostra Internacional de Cinema para programar o que quiser. Ele é um dos autores mais presente ao longo das edições da Mostra e da nossa história de cinéfilos. Sempre corajoso em manifestar as suas inquietudes frente a um mundo com signos enganadores de modernidade, Wenders manifesta seu inconformismo com perturbadora sagacidade, presença de espírito, inovação e constante busca de fórmulas inovadoras de expressão. Mutante e suficientemente corajoso, nunca escondeu o seu fascínio pela cultura popular americana e seus ícones que povoam o nosso imaginário. Fascínio confesso com crítica, não deslumbramento; que nos enche de coragem, nos livra da culpa da estagnação e convoca a viagens e releituras. E nos enche os olhos e a mente com poesia e musicalidade, nostalgia e modernidade, olhando para o passado e para o futuro com a certeza de quem conclama mudanças no presente. Aproveita a fama rapidamente criada como talento emergente numa Alemanha paranóica com o seu próprio futuro, mesmo como expoente do movimento Novo Cinema Alemão, parte para os Estados Unidos a fim de render uma série de homenagens a vários de seus ídolos. Uma ao ator e diretor Dennis Hopper, com O Amigo Americano (Der Amerikanische Freund, 1977), outra aos diretores Nicholas Ray e Samuel Fuller, os três atuando nesse mesmo filme. Reinventa a sua modernidade com um filme neo-noir e envolve-nos ao mesmo tempo com a admiração pela novelista Patricia Highsmith, seu inspirado personagem Tom Ripley, e ainda presta homenagem indireta a Alfred Hitchcock que a adaptou no cinema com Pacto Sinistro (Strangers on a Train, 1950). A sinceridade de Wim Wenders é estimulante. A sua peregrinação americana prossegue surpreendendo. Os seus filmes envolvem espectadores com personagens e roteiros que são capazes de levar o martírio de um cinéfilo às últimas conseqüências. Retorno a Nicholas Ray, o mítico diretor de Johnny Guitar (1954) e Juventude Transviada (Rebel Without a Cause, 1955) e roda com ele O Filme de Nick (Lightning Over Water, 1980), para registrar a sua morte lenta e real. A inventividade de Wim Wenders permitia-nos escapes excitantes, mesmo provocando conflitos com ícones admirados em comum. Foi o caso na fascinante homenagem ao escritor de novelas policiais Dashiel Hammett, a alma do film noir, a um custo caríssimo. Hammett, de 1982, também foi rodado nos Estados Unidos e gerou conflitos com o produtor que tanto admiramos como cineasta - Francis Ford Coppola. Entre as tumultuadas filmagens e interrupções, volta à Europa para rodar O Estado das Coisas (The State of Things), em 1982. Sem que pudesse imaginar, esse filme se tornaria um símbolo de resistência contra a ditadura militar brasileira, depois de ganhar o Leão de Ouro no Festival de Veneza. No dia 20 de outubro de 1984, com mais de mil pessoas lotando a sessão de O Estado das Coisas no Cine Metrópole, cinema infelizmente desaparecido, chegam os agentes da Polícia Federal com uma ordem para interromper a 8ª Mostra Internacional de Cinema. Em O Estado das Coisas, uma equipe de cinema está em Portugal motivada pela própria autobiografia de Wenders, com as dificuldades de um cineasta em realizar o seu filme sem conseguir se livrar da opressão do produtor. Tudo começou um mês antes da 8ª Mostra ser inaugurada, quando partimos ao desafio ao governo em seu último ano de ditadura, processar a União e obtendo vitória judicial para poder, pela primeira vez em oito anos de existência, fazer um festival sem submeter a seleção dos filmes à censura prévia. A Mostra reagia por todos esses anos de humilhação. Uma semana depois, o governo federal cassaria a liminar e interromperia a Mostra para o espanto de todo o mundo. E justamente no curso da projeção de O Estado das Coisas... Li com voz embargada e lágrima nos olhos, diante de uma platéia espantada, a decisão judicial de acabar com a Mostra livre censura. Enquanto isso, no auge da criação, Wim Wenders se refaria do impacto do filme americano anterior, ganhando a Palma de Ouro em Cannes de 1984 com Paris, Texas. Impecável modernidade com roteiro de Sam Shepard sobre buscas e perdições, interpretações de Harry Dean Stanton e Natassja Kinski e música de Ry Cooder. O admirável cineasta-cinéfilo leva-nos ao Japão pouco depois com o diário-documentário Tokyo-Ga, em forma de peregrinação e reverência ao grande mestre Yasujiro Ozu. Foi Wenders quem abriu em 1985 os olhos de novas gerações ao cinema do grande mestre japonês. Observamos na obra de Wim Wenders a sua capacidade de despojamento, sempre se fazendo parecer muito menor diante dos ícones de sua (nossa) formação cultural. Com ele aprendemos sobre o grande poder motriz da humildade. Ao percorrer cenários japoneses e seus rituais tão bizarros quanto fascinantes, Wenders comporta-se com a disciplina de um pupilo e faz notar o quanto japonês e universal é o inestimável legado cinematográfico de Ozu. A admiração por Wim Wenders foi crescendo a cada revelação e a cada surpresa de seus filmes. O mais emocionante de todos dessa fase foi certamente a sua antecipada demolição do Muro de Berlim com Asas do Desejo (Wings of Desire, 1987). Anjos singelos atrevem-se a ignorar a existência do abominável muro e a sobrevoam indiferentes às fronteiras, atrás das almas que devem guardar. Asas do Desejo foi, merecidamente, o Prêmio do Público da 12ª Mostra, em 1987, e inseriu-se imediatamente na galeria dos seus filmes para sempre cultuados. Inesquecíveis ainda os anjos enxergarem em preto e branco e só verem as cores ao virar mortais pelo ‘pecado’ de se apaixonar por seres vivos... É notável também o igualmente surpreendente talento e a generosidade de Wim Wenders em prestigiar talentos musicais para agregar valores em seus filmes. “Minha vida foi salva pelo Rock’n Roll. Porque foi esse tipo de música que, pela primeira vez na minha vida, me deu um sentimento de identidade, o sentimento de que eu tinha o direito de aproveitar, imaginar e fazer alguma coisa”, revela Wenders em seu sítio oficial www.wim-wenders.com. A galeria de músicos convidados para os seus filmes é imensa - Ry Cooder, Daniel Lanois, Willie Nelson, U2, Bono, Nick Cave, BAP, Wolfgang Niedecken, Ronnee Blakley e Lou Reed, além de conseguir o feito mundial de resgatar talentos em grupo como em Buena Vista Social Club, de 1998. Com esse documentário musical Wenders deu uma extraordinária sobrevida a um grupo extraordinariamente talentoso de músicos cubanos. Ou como fez ao resgatar a história de três bluesmen marcantes - Blind Willie Johnson (1902-1947), Skip James (1902-1969) e J.B. Lenoir (1929-1967), em A Alma de um Homem (The Soul of a Man, 2003), seu longa dentro da série Blues, e que novamente venceu o Prêmio do Público, na 27ª Mostra. Wim Wenders justifica a escolha dos três bluesmen por identificar neles características comuns: “estavam à frente de seu tempo, escreveram suas próprias músicas, eram cantores e instrumentistas completos e morreram desconhecidos e esquecidos”. Bastava isto para atribuir o Prêmio Humanidade da 32ª Mostra Internacional de Cinema a Wim Wenders. Ele enriquece com seus gestos e filmes a galeria dos indicados anteriores ao Prêmio Humanidade da Mostra, que foram Manoel de Oliveira, Eduardo Coutinho e Amos Gitai. E, portanto, atenção aos filmes escolhidos por Wim Wenders com carta branca. Finalmente a Mostra vê em cores o seu anjo da guarda. Leon Cakoff

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Patricia Rozema é filha de imigrantes holandeses no Canadá. Despertou seu veio artístico já no colégio onde ganhou seu primeiro prêmio, mas de melhor atriz. Quando sua carreira já parecia definida no mundo teatral, resolveu inscrever-se num curso de cinema de cinco semanas e rodar seu primeiro filme Passion: a Letter in 16mm. Antes de rodar seu longa de estréia Ouvi as Sereias Cantando (I`ve Heard the Mermaids Singing, 1987, seleção da 12ª Mostra), dividindo em Cannes o prêmio de estreante com Spike Lee, foi assistente de direção de David Cronenberg na refilmagem de A Mosca. Seus filmes seguintes foram O Mistério do Quarto Branco (White Room, 15ª Mostra), o episódio Desperado para a série Montreal vu par... e Quando a Noite Cai (When Night is Falling, 1995).

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PAUL FIERLINGER Nasceu em 1936 em Ashiya, Japão, onde seus pais eram diplomatas de carreira da então Checoslováquia. Passou a Segunda Guerra Mundial nos EUA e aos 12 anos, enquanto vivia num internato na Checoslováquia, criou seu primeiro filme animado, fotografando desenhos de seu “flipbook” (álbum de desenhos com figuras em movimento). Em 1955, formou-se na Escola de Artes Aplicadas Bechyne. Em 1967 fugiu da Checoslováquia para a Holanda. Chegou aos EUA em 1968, onde trabalhou pela primeira vez para a Universal Pictures como diretor de documentário. Em 1971, fundou o estúdio de animação AR&T Associates, que produziu mais de 800 filmes, entre eles comerciais de televisão. SANDRA FIERLINGER Cresceu em Wayne, Pensilvânia, e formou-se em 1978 na Academia de Belas Artes do estado. Colaborou com o marido Paul em dezenas de desenhos para canais infantis de TV, como Sesame Street, Nickelodeon e The American Playhouse.

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Natural de Berlim, começou como pintor avant-garde aos 15 anos e trabalhou como cenógrafo de teatro para diretores como Max Reinhardt. Por volta de 1914, tornou-se diretor de arte de cinema, tendo sido uma figura importante no expressionismo alemão, com duas grandes contribuições, Escada de Serviço e O Gabinete das Figuras de Cera, ambos notáveis pela ambientação aterrorizante e pelas técnicas inovadoras. In 1927 mudou-se para Hollywood estreando com O Gato e o Canário, um clássico gótico que influenciou os filmes de terror posteriores da Universal. Leni fez mais três filmes, incluindo O Homem que Ri, antes de morrer por envenenamento, em 1929. OCTUOR DE FRANCE A Fundação Cultural BNP Paribas Brasil, o Grupo Accor e a Fnac apresentam Octour de France. Criado em 1979 pelo clarinetista Jean-Louis Sajot, o Octour de France dá prioridade à promoção da música de clarinete do século 18, evocando-a para a contemporaneidade. O conjunto destina-se a dominar o mais amplo repertório possível e seu nome atesta a vontade de difundir a música francesa para além de suas fronteiras, realizando turnês regulares no exterior. Os músicos do Octuor de France desempenham formações de dupla a octeto, com ou sem piano. Eles oferecem à sua audiência um vasto repertório de clássicos, românticos e contemporâneos, e o público tem a oportunidade de redescobrir obras esquecidas ou raramente executadas. O Octuor de France encoraja compositores atuais a criarem novas peças musicais e também participa de acompanhamentos de filmes mudos. Já gravou obras de Antonin Reicha, Carl-Maria von Weber, Franz Schubert, Wolgang-Amadeus Mozart, Johannes Brahms, Joseph Haydn, Françaix e Jean Marcel Landowski. No cinema mudo, gravou a música de O Homem que Ri, escrita especialmente para o Octuor de France pelo compositor canadense, Gabriel Thibaudeau. O filme é um clássico de 1928 do diretor americano Paul Leni, baseado no famoso romance de Victor Hugo, L’homme qui rit. O grupo participou do lançamento do DVD do filme Visages d’Enfants (1925), de Jacques Feyder, cuja música foi escrita pelo compositor italiano Antonio Coppola e gravada em outubro de 2004. Na 32ª Mostra o Octour de France acompanhará ao vivo as exibições de O Homem que Ri e de outro clássico do cinema mudo, o drama Poil de Carrote, obra-prima do diretor Julien Duvivier, de 1925. Nasceu em 1959, em Quebec. Thibaudeau estudou piano na Vincent d’Indy Music School e composição na Faculdade de Música da Universidade de Montreal. Participou também em cursos de verão no Centro de Artes Orford onde trabalhou na composição com Iannis Xenakis. Como pianista permanente no Quebec Film Library desde 1988 é reconhecido como o maior especialista canadense no acompanhamento de filmes mudos. Tem sido convidado desde 1991 para o Gionarte del Cinema Muto, em Pordenone e, desde 1992, para o festival Il Cinema Ritrovato, em Bolonha na Itália. Desde 1993, entre outras obras para o cinema silencioso, compôs um quinteto para o filme Straight Shooting (1971), um concerto para piano e orquestra de câmara para o filme The Fall of the House of Usher, um sexteto para o filme Foolish Wives, e um Réquiem para soprano e piano para o filme O Corcunda de Notre Dame. Em associação com Octuor de France, compôs a música para acompanhar Au Bonheur des Dames, A Máscara de Ferro, O Homem que Ri e Poil de Carotte, bem como a adaptação orquestral para a trilha de O Fantasma da Ópera.

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Zhang Zeming nasceu em Guangzhou e cresceu nas dependências dos estúdios Pearl River. Sua educação formal foi interrompida em 1966 pela Revolução Cultural e, em 1968, foi enviado para trabalhar num seringal na ilha de Hainan. Ele voltou aos estúdios em 1978, como assistente de produção. Escreveu seus próprios filmes e estudou Literatura Chinesa na Universidade de Televisão de Guangdong. O estúdio ficou impressionado com seu roteiro para Swan Song (85) e o convidou para dirigir o filme como parte de uma iniciativa para encorajar jovens cineastas. Embrenhou-se então na direção do telefilme Dan Yi (86) e de Sun and Rain (87). Ele foi ao Reino Unido em 1989, trabalhou em projetos com a BBC e com o Instituto de Cinema Britânico, o que culminou nas filmagens de A Date in Portland Street (94) e Foreign Moon (95). Dirigiu ainda o documentário The Land of the White Cloud (2001). Paul Liu nasceu em 1955 em Guangzhou e se formou na Academia de Cinema de Beijing (1986) e na Escola Australiana de Rádio, Televisão e Cinema (1995). Já trabalhou como assistente de som, montador e câmera.

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Nasceu na cidade de Ajaccio, na região da Córsega, França, em 1930, e cresceu em Toulon. Começou seu percurso em 1961 com o filme Les Petits Drames, mas seu reconhecimento se deu na década seguinte, em títulos como O Estrangulador (1970), Mulheres, Mulheres (1974), A Chantagem (1975) e Réquiem para uma Mulher (1979) —seus longas-metragens mais conhecidos e de maior sucesso. Na década de 1980, realizou filmes como No Alto das Escadas (1983), Rosa la Rose, Garota de Programa (1986), Uma Vez Mais (1988) e Le Café des Jules (1989). A redescoberta de sua filmografia ocorreu nos anos 2010, por meio de filmes como Noites Brancas no Píer (2014, 38ª Mostra), É o Amor (2015, 39ª Mostra) e O Ignorante (2016, 40ª Mostra). Na 41ª Mostra, em 2017, o cineasta recebeu o Prêmio Leon Cakoff por sua carreira e ganhou uma retrospectiva de seus mais importantes trabalhos.

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Nasceu em Amsterdã, Holanda, em 1938. Estreou na direção de longas-metragens em Negócio É Negócio (1971) e depois dirigiu alguns dos mais importantes títulos da história do cinema holandês, como Louca Paixão (1973), Soldado de Laranja (1977) e O Quarto Homem (8ª Mostra, 1983). A partir dos anos 1980, passou a dirigir filmes em Hollywood, onde realizou, entre outros, RoboCop - O Policial do Futuro (1987), O Vingador do Futuro (1990), Instinto Selvagem (1992), Showgirls (1995) e Tropas Estelares (1997). Voltou a dirigir na Holanda em 2006, quando realizou A Espiã e Steekspel (2012).

Em comemoração aos seus 40 anos, a Mostra exibe duas obras de Paul Verhoeven, O Quarto Homem, filme que fez sucesso na 8ª edição, realizada em 1983, e Elle, seu trabalho mais recente.

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Cineasta, coreógrafa e bailarina. Formou-se no Colon Theater’s Superior Art School. Foi bailarina da companhia estável de balé do Teatro Colon de Buenos Aires. Em 1987 começou a se dedicar à dança contemporânea e durante 10 anos participou de diversas turnês pelos Estados Unidos, Europa, Austrália e Indonésia, além de apresentações por toda a Argentina e na cidade de Buenos Aires. Em 1993 começou a explorar a produção de filmes em vídeo e experimentação com linguagem de cinema e dança. Ela pertence à primeira geração de produtores de filmes sobre videodança. Cielo azul cielo negro seu primeiro longa-metragem de ficção foi lançado internacionalmente no 57º Festival Internacional de Locarno, em 2004. Em 2006 dirigiu Todas esas Cosas, documentário sobre a história das minorias sexuais e também Quince minutos de gloria, filmes para televisão produzidos para o Canal 7. El Vestido é o seu segundo longa.

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Paulo Betti Nasceu em Sorocaba (SP), em setembro de 1942. Formado pela Escola de Arte Dramática da Universidade de Paulo, Betti tem uma longa carreira como ator no teatro, televisão e cinema. Participou, entre outros, dos filmes Mauá, o Imperador e o Rei, Oriundi , que participou da 23ª Mostra, e Guerra de Canudos. Cafundó marca sua estréia na direção. No Festival de Gramado/2005, Cafundó recebeu os prêmios de melhor ator (Lázaro Ramos), melhor fotografia (José Roberto Eliezer), melhor direção de arte(Vera Hamburger) e prêmio especial do júri. Clóvis Bueno Ator, diretor, cenógrafo e figurinista de teatro nos anos 1960 e 1970. Especializou-se em direção de arte, participando de diversos filmes, entre eles O Beijo da Mulher Aranha, A Dona da História e Onde Anda Você. Em 2001 recebeu o Grande Prêmio Cinema Brasil de Direção de Arte por Castelo Rá-Tim-Bum. Cafundó marca sua estréia na direção.

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Nasceu em 1970, em São Paulo. Formou-se em Propaganda e Marketing pela Escola Superior de Propaganda e Marketing (ESPM). Cursou Formação Executiva em Cinema e TV na Fundação Getúlio Vargas. Fez cursos especializados em câmera, roteiro e iluminação nos Estados Unidos. Escreveu, fotografou e dirigiu curtas-metragens como o premiado No Bar (2002), em parceira com Cleiton Stringhini, selecionado para a 26ª Mostra. Realizou também Super-Herói Fora de Série (2006). Foi diretor de fotografia, junto com Joel Lopes, do longa Quarta B, de Marcelo Galvão, eleito o melhor filme brasileiro segundo o público na 29ª Mostra. Ainda em 2007, realizou e fotografou o curta Vintage, em conjunto com Juliana Curi. Quer Saber? é seu primeiro longa-metragem, no qual assume o apelido Disca como sobrenome.

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Pavo Marinkovic - Nasceu em Zagreb, a capital croata, em 1967. Graduou-se em Roteiro na Academia de Artes Dramáticas (ADU). Seus primeiros trabalhos em dramaturgia surgiram no início dos anos 90. Suas peças, apresentadas na Croácia e no exterior, ganharam inúmeros prêmios. Ele trabalhou na programação de dramaturgia da televisão croata, supervisionando o roteiro de cerca de vinte títulos, entre médias e longas-metragens e minisséries. Ele escreveu o roteiro para o longa de estréia de Drazen Zarkovic, Go, Yellow! (2001). Tresette - A História de uma Ilha é seu primeiro longa-metragem como diretor. Drazen Zarkovic - Nasceu em Zagreb, a capital croata, em 1970. Graduou-se em Direção de Cinema e TV na Academia de Artes Dramáticas (ADU). Trabalhando como free-lancer desde 1993, concebeu longas-metragens de ficção e documentais como roteirista e diretor. Ganhou quatro prêmios Oktavijan da Sociedade de Críticos de Cinema da Croácia por seus curtas-metragens Cakaj Me (1993), Hunt for Oneself (1994) e Salter (2001), além do média-metragem Novogodisnja Pljacka (1998). Seu longa-metragem de estréia Go, Yellow! (2001) ganhou, no ano seguinte, a Oliva de Prata no Festival Internacional de TV da cidade de Bar, em Montenegro. Tresette - A História de uma Ilha é seu segundo longa-metragem.

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AS CORES DE ALMODÓVAR NA 38ª MOSTRA

Há 19 anos, Pedro Almodóvar vinha a São Paulo abrir a 19ª Mostra. A Flor do Meu Segredo foi exibida no Vão Livre do MASP numa sessão histórica, com 2 mil espectadores atentos acomodados nas cadeiras de plástico que até hoje voltam a esse espaço em outubro, nas sessões gratuitas que a Mostra promove ali.

A Flor do Meu Segredo marcou o início de uma evolução na carreira de Almodóvar. Seus filmes, sempre dominados pela comédia, tornaram-se mais dramáticos. Como bem define Frederic Strauss em seu livro de entrevistas com o cineasta, “suas ficções fizeram a passagem de uma fruição da vida a uma reflexão sobre a existência”.

Cineasta espanhol mais reconhecido por público e crítica desde Buñuel, Almodóvar sempre esteve associado a um cinema do desejo e das paixões – e os títulos de seus filmes não deixam mentir. Com suas paixões desenfreadas, as histórias de mães e filhas, prostitutas, gays, travestis e outros personagens da Espanha de hoje foram aos poucos compondo o retrato de novas maneiras de amar. Ele é o grande responsável por uma renovação do melodrama no cinema, aproveitando e levando adiante a influência de mestres como Douglas Sirk, William Wyler e Nicholas Ray, e da própria tradição melodramática dos cinemas mexicano e espanhol.

Esse impulso sexual e libertário que permeia sua obra tem uma origem clara: o contexto político da Espanha. Quando Almodóvar nasce em 1949, filho de um humilde carregador de mulas da província de La Mancha, a Guerra Civil Espanhola, conflito que deixou um longo trauma no país, havia terminado há dez anos. Quando ele se muda para Madri em 1967, aos 18 anos, a Espanha ainda vivia a feroz censura cultural do ditador Francisco Franco. Aos 25 anos, Almodóvar compra sua primeira câmera Super 8 e começa a fazer seus curtas marginais, exibidos em pequenos clubes e boates do underground da capital.

Em 1975, com a morte de Franco, Almodóvar já é uma das figuras mais conhecidas da cena artística de Madri e se torna um nome forte da movida madrilenha, a liberação dos costumes e da cultura que se seguiu à morte do ditador, um jorro de criatividade cuja força foi a soma dos gritos presos na garganta dos artistas espanhóis em 36 anos de autoritarismo.

Esse cinema das paixões, das cores fortes e de um sentido muito bem definido da tragédia de nossos desejos só ganhou em refinamento ao longo dos anos.

A 38ª Mostra é feita sob a égide desse artista libertário. A retrospectiva de que lhe dedicamos abarca todas as fases de sua carreira: do humor anárquico de Maus Hábitos (1983), Que Fiz Eu para Merecer Isto? (1984) e Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (1988), passando pela paixão incandescente de A Lei do Desejo (1987), o flerte com o thriller de Carne Trêmula (1997), o lirismo sublime de Fale com Ela (2002), que muitos consideram sua obra-prima, além das obras mais recentes.

Para o pôster deste ano, Almodóvar nos enviou um autorretrato feito durante as filmagens de Fale com Ela. Consciente do carinho que conquista do público da Mostra há muitos anos, permitiu que seu estilo desse a nota de todas as artes desta edição.

Aproveitando a homenagem a Almodóvar, apresentamos também o Foco Espanha, uma seleção de filmes clássicos e contemporâneos do país ibérico, um apanhado da força criativa e da diversidade de gênero do seu cinema. A seleção reúne Um Cão Andaluz e A Idade do Ouro, os dois primeiros filmes de Buñuel; Falstaff – O Toque da Meia-Noite, longa de Orson Welles filmado na Espanha; um conjunto de 53 curtas do final do século 19 restaurados pela Filmoteca Espanhola; e Márgenes, um conjunto de longas mais autorais surgidos na periferia da indústria cinematográfica espanhola.

Viva Almodóvar. Viva o cinema espanhol. Viva o cinema!

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DIA MUNDIAL DO PATRIMÔNIO AUDIOVISUAL
27 de outubro

Em 2010, a Cinemateca Brasileira e a 34ª Mostra unem esforços para celebrar o Dia Mundial do Patrimônio Audiovisual, apresentando ao público uma seleção de filmes brasileiros em cópias novas ou restauradas pela Cinemateca.

No dia 27 de outubro de 1980, a Recomendação para Salvaguarda e Preservação de Imagens em Movimento foi firmada em Belgrado, durante a 21ª Conferência Geral da Unesco. A iniciativa da organização buscou chamar a atenção da sociedade civil e dos governos para a necessidade de ações urgentes que assegurem a preservação de materiais fílmicos, televisivos e radiofônicos ao redor do mundo. Em 2005, a Unesco proclamou o dia 27 de outubro como o Dia Mundial do Patrimônio Audiovisual. Desde então, a data passou a ser comemorada por cinematecas e arquivos de filmes, com o apoio da Federação Internacional de Arquivos de Filmes.

A seleção feita para o programa reúne clássicos e raridades do cinema popular brasileiro – da comédia erótica ao filme policial, da ficção-científica ao faroeste. Além disso, comemorando o centenário do cinema baiano, será apresentada pela primeira vez em São Paulo a cópia restaurada de Tocaia no asfalto (1962), de Roberto Pires, marco da filmografia baiana. No ano que comemora o centenário do Corinthians, será exibida também a versão restaurada de O Corintiano (1966), de Milton Amaral, comédia protagonizada por Mazzaropi. Os dois filmes foram restaurados pela Cinemateca Brasileira no âmbito do Programa de Restauro 2007, patrocinado pela Petrobras. PROGRAMAÇÃO: Ainda Agarro esta Vizinha, de Pedro Carlos Rovai (1991) Bonecas Diabólicas, de Flávio Nogueira (1975) Gregório 38, de Rubens da Silva Prado (1969) Na Senda do Crime, de Flaminio Bollini Cerri (1954) O Corintiano, de Milton Amaral (1966) Os Desclassificados, de Clery Cunha (1972) Tocaia No Asfalto, de Roberto Pires (1962)

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Natural de Vitória, Espírito Santo, nasceu em março de 1936. Iniciou carreira no rádio, onde também trabalhou como ator, rádio-ator, redator, repórter, produtor e diretor artístico. Transferiu-se para São Paulo em 1959, trabalhou em diversas emissoras paulistas. Começou no cinema como continuísta e assistente de direção em filmes de Ody Fraga, Ary Fernandes, Milton Amaral, Carlos Coimbra e Mazzaroppi. Estréia como co-diretor em 1969, com Amores de um Cafona. Seguiram-se O Diabo Tem Mil Chifres (1970) e Até o Último Mercenário (1971). Trabalhou também na Rede Globo e na TV Cultura nos anos 1970. Retorna ao cinema com o curta Naturezas Mortas (1995), vencedor de vários festivais. Em 2006 realiza o longa documentário Um Craque Chamado Divino, sobre o jogador Ademir da Guia.

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Jack Youngelson - Escritor e produtor de documentários apresentados em emissoras de TV dos EUA e da Inglaterra, como HBO, Bravo, BBC e Channel Four. Nos últimos quatro anos, foi colaborador da Moxie Firecracker Films em três documentários. Em 2002, escreveu e co-produziu A Mulher do Oficial Nazista, documentário dirigido por Liz Garbus e que integrou a seleção da 27ª Mostra. Com o diretor Rory Kennedy, escreveu e produziu Indian Point: Imagining the Unimaginable (2004) e Ten Days That Unexpectedly Changed America: The Homestead Strike (2006). Peter Sutherland - Nasceu em Ann Arbor, Michigan, nos Estados Unidos. Seu primeiro documentário como diretor, Pedal (2002) já foi apresentado no Sundance Channel. Entre os muitos trabalhos para a TV, trabalhou como diretor de fotografia em Stoked: The Rise and Fall of Gator, premiado no Festival de Sundance 2003. Em 2004, publicou seu primeiro livro de fotografias, Autograf: New York City’s Graffiti Writers.

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Nasceu em Aldershot, Inglaterra, em 1960. Formou-se em dramaturgia pela Universidade de Manchester. Depois, iniciou a carreia de ator teatral. Trabalhou ao lado do ator, diretor e cineasta Kenneth Branagh em duas peças, The Gamblers e Another Country. Dedicou-se, também, a adaptações teatrais e direção de algumas peças, como Madame Bovary e 0 Jardim das Cerejeiras. Também como ator, participou de numerosas produções para a televisão, como Good and Bad at Games, ao lado de Rupert Graves. Em meados dos anos 90, trabalha algum tempo na produtora cinematográfica Milestone Pictures, depois, começa a produzir curtas-metragens: Requiem, Frogs e Strange Dreams (to doe de 1994). Em 1995, funda sua própria produtora, a Boxer Films, juntamente com Lisa Hope e Angela Hart. Este é seu primeiro longa-metragem.

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Pasolini nasceu em Bologna, em 1922. Romancista, poeta, com ampla formação humanista e também marxista, passou ao jornalismo, onde se notabilizou por toda a Europa como um dos grandes polemistas entre os intelectuais italianos da modernidade. Daí para o cinema foi um passo natural. Pasolini "aprendeu" por si só a colocar em imagens um pensamento de alta densidade intelectual. Estreou com "Accatone" (1961), torturadamente realista, já um clássico. Sua filmografia inclui títulos fundamentais: "Mamma Roma" (1963), "O Evangelho Segundo São Mateus"(1964), "Gaviões e Passarinhos"(1966), "Édipo Rei" (1967), "Teorema" (1968), "Medéia" (1969), "Pocilga"(1970), e a "Trilogia da Vida", com "Os Cantos de Canterbury", "Decameron" e "As Mil e Uma Noites", verdadeiros estudos de antropologia social. "Saló" foi seu último filme, antes do brutal assassinato do qual foi vítima, em 1975, de uma certa maneira por ele mesmo profetizado no epílogo de "Accatone". "Saló" é também uma espécie de testamento suicida: cruel, inconformista, debochado e ultrarealista.

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43ª MOSTRA INTERNACIONAL DE CINEMA

43ª MOSTRA INTERNACIONAL DE CINEMA